El ser humano como metáfora una obra de Rolando Monterrosa

La obra de Rolando Monterrosa tiene como eje central el ser humano, estos aspectos un tanto sombríos y transitorios que los individuos experimentan en su devenir metafórico dentro del espacio de las artes.

En la obra del artista se pueden apreciar a estos seres humanos elevados físicamente del espacio tiempo que conocemos hacia una imagen que hace reflexionar al publico sobre el estado material de estos ya que se encuentran aparentemente en un estado transitorio que va desde la transformación del ser humano a algo mas sublime y oscuro hasta la desaparición misma del sujeto presente en la obra, logrado a través de técnicas de dibujo avanzadas y en un tramaje nebuloso que la da vida a la obra.

Rolando Monterrosa

Mi familia siempre apoyo mis inquietudes artísticas y tuve acceso a formación en las artes desde temprana edad en in

stituciones como CENAR, Escuela de artes (UES), Escuela San Alejandro (Cuba) y por ultimo fotografía en la escuela de fotografía Motivarte (Argentina) Particularmente mi experiencia en Cuba hizo un cambio radical en mi pensamiento sobre el dibujo y la forma de percibir el arte, Cuba me dio la oportunidad de conocerme y aceptarme como futuro artista, logre madurar y perfeccionar mis técnicas gracias al valor, respeto, dedicación y compromiso que tiene este país por la cultura considero que es una parte importante en la formación de todo ser humano un País en el que su gobierno no estimule la cultura está fragmentando el tejido social y sepultando la historia.

Actual mente mi esfuerzo esta puntualizado al dibujo y a la fotografía artística es lo que más disfruto hacer, sin embargo, he tenido la oportunidad de experimentar con otras ramas como el grabado, la escultura, el performance, la instalación, también colabore en algunos proyectos de teatro…

Algunos temas recurrentes en mis piezas es el tema de la migración, la marginación, la soledad y temas sensibles que son muy humanos, abordo estos temas convencido que nuestro pensamiento es poderoso y vamos trazando nuestro propio camino como una línea imaginaria en el tiempo.

creo que mientras seamos seres capases de crear, proponer, pensar y evolucionar no dejaremos de estar vigentes, el arte contemporáneo juega un papel importante en el medio artístico actual, históricamente el arte en general siempre ha sido un arma un escudo un pensamiento y creo que se sigue sosteniendo lo que cambia es la forma en la que comunicarnos.

Siempre he pensado que El Salvador es un país por excelencia de gente creadora y sensible al arte a pesar de las carencias. Sin embargo, creo que es importante ser claros en que hoy por hoy el artista hace su propia autogestión de una forma independiente los pocos espacios que hay son privados y hay algunas instituciones que hacen gestión y fomentan al coleccionismo de una forma privada pero creo que es importante que el Estado Salvadoreño invierta en las casas de las cultura y  en la reactivación del bachillerato en artes del CENAR,  la enseñanza superior de las artes de calidad con recurso humano vigente en el medio y con propuestas pedagógicas adecuadas para las artes.

Me defino como alguien comprometido con el pensamiento colectivo creo en el dialogo igualitario en la naturaleza de las artes que ayuda a liberarnos como individuos.

El proceso de formación de un artista se ve desarrollado en gran manera por el estudio  y el nivel de apuesta del individuo a su propuesta, creer en aquellos aspectos que  que son beneficiosos para su carrera como creador,  en otras palabras apostar a aquellos factores que son buenos para el individuo, ignorando a falsos profetas que existen en el mundo del arte, sometiéndose  a uno mismo a un  proceso practico y teórico de construcción y deconstrucción apoyándose en sus amistades sinceras que están ahí siempre creyendo en uno como persona y como artista. 

Más obra del artista 

El arte de conocerse a uno mismo una obra de Gothy López

La carrera de un artista se abona  por su conocimiento toda aquella suma de saberes que forjan la obra y su contenido simbólico aquella mezcla entre el ser y su manifiesto materializado en una obra de arte.

Uno de los temas principales en la obra de la artista es el tema del autorretrato donde podemos apreciar el  dialogo que el artista sostiene durante su vida con el mismo, estas etapas manifiestas muchas veces en los detalles del físico y otras que en elementos más simbólicos que van desde el uso del color u una intencionalidad reflejada en el lenguaje emocional de la obra.

Muy pocos artistas en diferentes rubros del arte visual experimentan el tema del autoretrato en algunos casos dados la complejidad que sostiene el hecho de dialogar con el mismo y la dificultad técnica que esto implica y sobre todo el acto de volverse en primera persona el canal por el cual se trasmite un mensaje.

Pero la obra del artista no se limita a un solo tema o a una sola técnica si no que haciendo  uso de sus conocimientos vuelve a su obra una extensión más de ella misma de sus ideas sobre variados temas que van desde lo sacro hasta lo abstracto.

Gothy López

El arte fue una cosa espontanea, casi instintiva, era un modo de ver las cosas. Recuerdo que a la edad de 4 años tuve mi primer encuentro con el arte, de parte de un familiar que  cuando nos visitaba nos hacía retratos con lápiz y para mí era fascinante, siempre me llamo la atención el tema de las artes pero,  fue hasta el bachillerato que me encontré nuevamente con él, nos habían llevado a un concierto al teatro nacional de San Salvador donde había una exposición de pintura, era la primera vez que veía un exposición y  recuerdo que fue una experiencia bellísima, no me cansaba de mirar los cuadros, las pinceladas,  fue un momento importante pero fue hasta la universidad en donde  decidí estudiar la licenciatura en artes plásticas. 

Italia siempre estuvo en mis sueños artísticos, dado que en mi formación como artista había conocido el trabajo de muchos maestros de la pintura Europea aquel trabajo de  los grandes maestros del arte, los museos y sus colecciones  las ciudades y todo el tema cultural que las rodea dado en caso  habiéndome aproximado a todo lo anterior  era natural esta curiosidad que me invadía por este país. 

En todo el mundo del arte Europeo siempre se denota una gran curiosidad por la diferencia estilística que hay entre el arte de acá y el arte en Latinoamérica existe  mucha admiración por la fuerza comunicadora del arte del nuevo continente.

En mi obra  predomina la figuración, me dedique a estudiar toda la rama de la plástica y tuve la oportunidad de aprender muchas y variadas técnicas diferentes, herramientas que me han servido muchísimo y me han dado la posibilidad de concebir las obras en dimensiones diferentes. 

Pienso que el “estilo” sea un poco reductivo de la capacidad creativa de un artista, no es dicho que el artista deba pintar o hacer las obras siempre de la misma manera, en cambio creo que sea necesario variar y hacer cada día cosas diferentes, explorar siempre cosas nuevas.

Por eso mi pintura es muy rica a nivel temático, tengo diferentes series que he desarrollado en el tiempo y a veces en manera contemporánea, pasando de la figuración a la abstracción con toda seguridad.

El auto retrato para mi es el arte de saber mirarse dentro si sin prejuicios

El artista como lo dije anteriormente dado su espectro creativo y sus conocimientos es asiduo a la exploración y la experimentación así mi obra pasa por el dibujo, la escultura, el grabado y la cerámica.

Pienso que hay mucha producción artista en este momento en El Salvador hay ya nuevas generaciones de artistas la mayoría  jóvenes donde se puede apreciar propuestas y  observar estilos u corrientes artísticas que influyen en su trabajo. 

En El Salvador dentro del marco de su historia en las artes ha habido mucho talento sin embargo creo que el trabajo de las primeras generaciones fue muy importante para el arte nacional.

Lo más importante al momento de tomar la decisión de dedicarse al arte es sentir pasión por lo que haces, saber que todo el conocimiento técnico es un proceso de aprendizaje que sirve luego para dejar fluir la esencia del ser.

Mas Obra de la Artista

Un Reflejo de lo Social una Obra de Hugo Rivas

La obra de Hugo Rivas como todo artista que ha entregado buena parte de su vida al arte deriva en variados temas y técnicas que van desde exploraciones al arte pop, hasta llegar a temas históricos y de alto contenido social.

Buena parte de la obra del artista se destaca por poner en perspectiva la humanidad misma desde el contexto social político haciendo ver al espectador aquellos factores grotescos un tanto únicos de los seres humanos en sociedad, construyendo diversos personajes que cuestionan los valores que la sociedad trata de imponer sobre las ideas de lo bello y lo aceptable.

Es deber del artista dada su sensibilidad, su agudeza visual y su vocación académica permanente sacar conclusiones de su devenir histórico aspecto que encontramos en las recientes murales que el artista ha realizado dentro de las estaciones del museo MARTE.

Otros aspectos a visualizar en la obra es la abstracción sobre el tema de lo real que el artista alcanza con obras llenas de color y movimiento de figuras femeninas sumergidas en agua que están flotante en un periodo de tiempo indefinido tratando de estar y no estar presentes como elementos vivos que le dan más vida la obra misma.

Hugo Rivas 

Como la mayoría de niños, me gustaba mucho dibujar. Mantuve el interés en la adolescencia como entretenimiento. Junto a mi hermano dibujábamos las caricaturas que más nos gustaban. En esa época unos familiares de EU me regalaron materiales y cuadernos de dibujo. 

Empecé a asistir a talleres de vacaciones en el Teatro de Cámara (hoy Roque Dalton), recuerdo que ahí vi por primera vez una exposición de imágenes de calaveras en

 medio de multitudes de  gente que me gustaron mucho.

 Años después supe que eran grabados de Camilo Minero. 

Un amigo del bachillerato que veía mis dibujos le llevó mi cuaderno al pintor Armando Solís (su vecino) y me dio una media beca para estudiar pintura en su taller.

Ya en la Escuela de Artes de la Universidad de El Salvador conocí a muchos compañeros que hacían arte profesionalmente en espacios importantes de Centro América (Boris Ciudad Real, Álvaro Pérez, el entonces colectivo Hétero: Dany Zavaleta, Antonio Romero, Luis Cornejo, Antonio Cañas, Ricardo Torres), conversar con ellos, visitar algunos de sus estudios y ver sus formas de trabajo fue una manera de aprendizaje más directo que recibir talleres o la misma formación de la universidad.

En esa época empecé a participar en algunos espacios más profesionales como subastas de arte, galerías, certámenes de pintura, etc.

Siempre me gustó la música, aprendí a tocar algunos instrumentos, lo básico, pero descubrí que no tenía el talento necesario. 

El grabado me gusta mucho, lo he hecho solo de manera experimental, y hago fotografía pero en función de mis pinturas.

Actualmente estoy haciendo una serie de pinturas que se llama Escape: uso  fotografías que hago de figuras humanas sumergidas en agua en diferentes poses. Los modelos son personas cercanas y es una metáfora sobre la idea seductora y contradictoria de escapar de la realidad.

La otra serie es totalmente imaginativa (la que expuse en Museo MARTE): son personajes más estilizados y cercanos a lo grotesco en contextos sobre el poder, el clasismo y la exclusión.

Esa fue una intervención titulada Íntimo. El proyecto lo presentamos a MARTE Contemporáneo junto a Antonio Romero, quien fue el curador. Toda la propuesta del mural la desarrollé en un cuaderno de bocetos y llevamos con Antonio un proceso continuo de reflexión y cuestionamientos sobre la narrativa e iconografía que iba a usar.

El tema central era establecer un cuestionamiento al imaginario militar en la psiquis salvadoreña.

Por ejemplo: comparar a El General (artista reggaetonero panameño y personaje de ficción) que  en la actualidad dice “estar arrepentido de lo que hizo” por razones religiosas  con el General Maximiliano Hernández Martínez y la romantización que existe sobre su participación en verdaderos crímenes en nuestra historia. A partir de eso hay diferentes lecturas de toda la pieza, como la recurrencia de la brutalidad.

Ser artista contemporáneo se refiere a un período de tiempo específico y discutible: la actualidad.

La gente lo asocia a un “medio” de producción artística, por ejemplo una instalación, una acción artística, o el uso de materiales “no convencionales”  que no son lenguajes nuevos, tienen casi un siglo desde Yves Klein o las esculturas de Tatlin. Que no te guste un medio de producción artística o no entendás como funciona no lo hace desdeñable. 

Algo similar ocurrió con la pintura figurativa. Durante la modernidad Clement Greenberg la denominó Kitsch, ahora existen nuevas valoraciones sobre pintores figurativos entonces denostados como Alice Neel, Balthus  o Edward Mvnch. 

Pienso que hay una enorme cantidad de artistas y eso es bueno. Esto no se debe a una mejora en el sistema educativo, al contrario, con los años el sistema educativo en Arte desde las instituciones es cada vez más paupérrimo y desolador. 

Este es el reflejo de un contexto político que ningunea la cultura y la utiliza solo como adorno o relleno propagandista. Esto no va cambiar pronto, es el reflejo de la realidad, pero la enorme cantidad de acceso a la información por internet, y una gran cantidad de esfuerzos educativos independientes y de auto formación de parte de los artistas y gestores tienen buenos frutos. 

Por otro lado me llama la atención que hay bastante producción artística que capitaliza el morbo y el sufrimiento humano para sacar réditos si tuviera la oportuinidad de hablar con un artista ermergente, en realidad no me gustaria darle uno u otro consejo si no darle materiales para trabajar. 

Mas obra del Artista

los iconos son imagines, personas o cosas que nos hacen referencia a una idea que esta altamente difundida en la cultura y es fácilmente reconocible hasta para el individuo que no tiene una conexión directa con lo que representa , un icono como tal no es mas que la construcción ideológica de la sociedad que infunde en estos valores determinados que lo destacan del resto y con el cual se establecen conexiones individuales y colectivas hasta llegar a la masificacion del mismo. 

Oscar Pérez Méndez  

Una maestra en el kínder, dejo como tarea que hiciéramos un dibujo alusivo a la creación fue algo así como un pequeño concurso, donde mi dibujo quedo entre los mejores de la clase, consecuentemente mando a llamar a mi mama para decirle que le había gustado mucho lo que había hecho y que yo tenía habilidades para dibujar. Sin embargo fue ya en segundo grado donde mi mama me inscribo en la academia de arte de Miguel Ángel Orellana quien me introdujo técnicamente a la pintura, al dibujo y a la acuarela, Miguel Ángel era un artista de prestigio y había fundado su propia academia.

Fue una etapa un poco llena de problemas porque yo era prácticamente  un niño cuando ingrese a la academia y tendía hacer víctima de bullying  de parte de mis compañeros sin embargo persevere hasta donde pude y  después de haberme mudado un par de veces con la academia y de estar cansado de mi situación renuncie a este esfuerzo dadas algunas cosas graves que pasaron y no volví a algo parecido hasta una edad más madura.

Ya en colegio en bachillerato para ser exacto volví a dibujar y a pintar y fue donde gane mis primeras comisiones por las cosas que hacia situación que he tratado de mantener hasta hoy en día poder vivir de mi obra.

Siempre me decante mas por las carreras humanísticas, caso que confirmo mi examen vocacional primeramente probé estudiar diseño gráfico en la Matías pero no mucho tiempo después  pase a la Universidad Nacional a la Lic. en Artes,  a media carrera ya hacia mis exposiciones y participaba en diferentes eventos de arte tengo el honor de ser de la primera generación graduada en Diseño Gráfico de la Universidad Nacional, sin embargo ya como artista el diseño gráfico es algo que no practico.

Nunca fui muy dedicado al estudio a seguir una curricula de estudios, si no he ido estudiando según mis deseos y curiosidades aunque hay cosas bastante prácticas que necesito aprender.

Yo puedo dibujar y puedo pintar ya que vengo de la academia, mi propuesta siempre fue trasforteriza, como algo que abarcara un todo y que así fuese llevada a otras partes, el problema que tuve con el dibujo y la pintura fue de que me sentía limitado con los materias y demás ya que a mí me gusta la experimentación, buscar nuevas plataformas y nuevas cosas para darle soporte a mi trabajo y así llegue a la escultura, antes había trabajado una serie pictórica de relieves en 3d llamada El ser humano debe ser Superado inspirado en lecturas sobre Nietzsche.

En este momento fui descubierto por la prensa ya que un periodista llamado Daniel Urquia me invito a aparecer en un segmento dominical a doble página, esta oportunidad me abrió nuevos espacios donde llevar mi obra en la escena local expuse en la antigua “Luna “y en INFORP-UES y otros espacios más todas estas exposiciones eran de pintura pero ya había comenzado a experimentar con plástico, fibra de vidrio y resina materia en el que se basa mi propuesta desde ese entonces.

Mis primeras piezas en resina fueron insectos ya que he practicado mucho taxidermia y veía posibilidades de hacer lago bien logrado usando  estos materiales piezas que tuvieron mucha aceptación entre el público, pero como siempre comencé a experimentar mucho más hasta construir una propuesta sólida que presentar como arte; la primer pieza que construir se llamaba La Jaula de Pegaso, pero fue evolucionado a algo más complejo llamado Caballo de Troya, de ahí se vinieron otra series como La serie Mata Bichos, Los Caines La serie Samadhi, Los amantes entre otros trabajos hasta llegar a Seres Dioses y Espacios que es parte de mi trabajo actual y que ha tenido mucho apoyo a nivel local e internacional.

Seres, Dioses y Espacios  trata sobre las hibridaciones culturales, de cómo se yuxtaponen iconos de culturas de países más potentes a otros países menos desarrollados o sometidos;  siempre he pensado que la cultura centroamericana es un hibrido, ya que el tema de la cultura pura no existe tanto étnicamente como en  lo sociocultural así Seres, Dioses y Espacios refleja este dialogo que existe en la cultura global.

Las personas tienden a hacer lecturas sumamente de religiosa de mi obra, pero va más orientada a la relación con los iconos culturales que han marcado la historia y la posmodernidad . 

No conozco a otro artista salvadoreño de momento que trabaje con estas figuras, lo más importante en mi obra es ver la relación simbólica de los iconos y su relación histórica como se yuxtaponen entre ellos. Ha habido cierta saturación ultimadamente con el tema de los súper héroes que ha sido buena o mala para algunos sin embargo yo lo veo más como un fenómeno cultural ya que la cultura es dialéctica hoy están mañana no están, por razones meramente culturales.

La serie Seres, Dioses y Espacios fue algo que llego a mi realmente ya que fui notando en estas figuras relaciones de poder en sus posturas entonces cada pieza dio paso a la siguiente. 

En lo personal mie siento aislado de la escena artística, como en un punto medio ya que no me considero parte de un movimiento artístico definido como tal dado que  mi propuesta puede abarcar lo contemporáneo como lo moderno lo que ha sido una ventaja al momento de socializar con mi colegas.

El trabajo contemporáneo, se basa en el tema de lo contemporáneo es muy difícil para mi ver el sesgo diferencial entre pintores y artistas conceptuales donde considero que hay muy buena obra pero también hay otra que no comunica nada, ser artista contemporáneo como se conoce en el medio  es un riesgo en varios aspectos económicamente no conozco si existe realmente un mercado de arte contemporáneo local ya que el llamado mercado del arte nacional es sumamente pequeño entonces pienso que trabajar arte contemporáneo requiere de más sacrificio ya que a veces es algo que las personas les cuesta comprender dado que el artista cerebriza demasiado las piezas y no logra construir un dialogo con el público, un error muy común es hacer piezas para que sean aceptadas por otros artistas y no por el público con quien debería entablarse una mejor comunicación ya que todos estamos en la capacidad de entender.

La definición de qué tipo de artista quieres ser es lo primero que debe de hacer alguien que se pretenda artista saber que quieres hacer y con quien quieres dialogar, estudiar lo más  posible aquella información con que se pueda construir la obra  y sobre todo trabajar.

Mi nuevo tema a tratar es el cambio climático que va orientado más a lo surrealista, seguir experimentado con la serie Seres, Dioses y Espacio así como darle continuidad a las propuestas construidas con el colectivo MORULA en nuestro proyecto de Anti Monumentos.

 

Oscar Perez Mendez

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